viernes, 1 de abril de 2011

Moviecomentario - "The Kids Are All Right"

De la entrada anterior, retomaré nuevamente el tema de la familia. La religión católica considera que, para tener sociedades sanas, sus células básicas (las familias) deberán ser sanas y para ello deben consolidarse con el amor para reforzar los vínculos conyugal, paternal y filial. En "The Kids Are All Right" se verán retratados esos vínculos enfocados a una de las tantas configuraciones de familia que se dan por los estilos de vida que se conocen en nuestra actualidad y que difieren al concepto de familia de hace 100 años. La pareja conyugal está formada por dos mujeres lesbianas de nombres Nic y Jules (Annette Benning y Julianne Moore), cada una tiene un hijo/a propio de nombres Joni y Laser (Mia Wasikowska y Josh Hutcherson) los cuales tienen un lazo genético en común: su padre biológico.

Y sí, los niños están bien. Muy a pesar de las suposiciones de algunas personas que los niños educados en una familia en que sus padres sean no-heterosexuales serían igual de "raritos", pues no es así. Podemos ver a nuestros alrededores que en "familias normales" no necesariamente los hijos seguirán los mismos pasos que sus padres. Ante todo somos individuos que tenemos la libertad de analizar y decidir qué camino tomar para nuestras propias vidas, pero a la vez se deberá asumir con seriedad y responsabilidad los resultados de nuestros actos. Pero, ¿qué sucede cuando esa libertad es oprimida, de cierto modo, por la autoridad parental (o maternal, en éste caso)?.

La persona en que recae el soporte de la familia, es sin lugar a dudas Nic. Ella es la profesionista, ella es la que paga los estudios de los hijos, ella es la que provee el sustento de la casa, ella es la que trabaja para obtener una remuneración suficiente para disfrutar de un nivel socio-económico medio-alto dentro de la sociedad norteamericana. Por esa razón es Nic quien tiene la autoridad de establecer las reglas de la casa, reglas que son estrictas para los otros tres integrantes de su familia, sin embargo son reglas necesarias para establecer el orden en la familia.

Nic evitó que Jules terminara sus estudios de arquitectura para que se dedicara a educar a sus hijos y realizara las labores de la casa; transcurridos ya 18 años, las responsabilidades de la mujer son menores, por lo que tiene la iniciativa de ejercer en la profesión que le apasiona; en casa, es Jules quien complace a Nic, pero, ¿es Nic considerada con Jules?. A la vez, Nic exige excelencia educativa a sus hijos, en especial a Joni; la adolescente es una alumna brillante en ciencias y por esa razón fue escogida en su escuela para realizar el discurso de despedida de la generación que representa, la cual dará el paso para estudiar la Universidad; sin embrago, Joni no es capaz de expresar sus sentimientos al chico que le gusta. En cambio, Laser entra en un estado de rebeldía; a pesar de que Nic le cuestione el por qué se junta con un tipo que no se le ve un buen futuro y del cual no gana nada con conservar su amistad, el chavo no respeta horarios, prueba estupefacientes y es cómplice de hacer locuras con su amigo Clay, con el que parece que el compartir trancazos es lo más "cool".

Los niños están bien. Los adolescentes de la "generación probeta" de ésta historia están conscientes de su naturaleza y de su realidad familiar, sin embargo existirá un momento en que cuestionen sus orígenes y busquen su identidad. A Laser le nace la curiosidad de conocer a su padre biológico; debido a ser aún menor de edad, le pide a su hermana (3 años de edad mayor que él) de favor solicitar los datos de la persona responsable de sus existencias a la institución que realizó las inseminaciones artificiales a sus madres. Joni y Laser sabrán que el nombre de su padre es Paul (Mark Ruffalo), mismo que concedió la autorización de facilitar sus datos para conocer a sus hijos biológicos personalmente.

Es a consecuencia de la primera reunión, que sostienen los hijos de la "generación probeta" y el padre biológico que concedió su semen, que desatará una inestabilidad en la familia de Nic. Jules, Joni y Laser conocerán a un tipo relajado, espontáneo, pero que sobre todo es afectuoso; sin duda alguna son elementos que éstos tres personajes no habían experimentado con Nic, quienes verán la vida de otra manera. Los adolescentes convivirán con su padre biológico y lo seguirán buscando porque realizarán actividades que Nic no les permitía hacer, como trabajar en una granja, viajar en motocicleta, comer alimentos con ingredientes orgánicos, etc; pero sobre todo les permitirá ser más humanos, donde el ejemplo más claro es cuando Laser ya no comparte la idea de cometer idioteces con su amigo Clay al no maltratar a un perro callejero.

Con la presencia de Paul en la vida de los otros 4 personajes, será el vinculo conyugal el más afectado. La autoridad de Nic se ve amenazada y su relación con Jules será tensa, además de ser cuestionada. Nic se verá sola en algún momento de la película y tendrá que acceder a compartir la misma fuente y nivel de felicidad que están viviendo los demás integrantes de su familia; ese momento se dará en el clímax de la película, cuando la familia de Nic cena en casa de Paul.  De esta escena se puede conocer, un poco más, sobre el comportamiento de Nic; por su necesidad de imponer el orden, dejó de abrir sus sentimientos hacia sus integrantes; la forma en que se manifiesta y que quizá exprese las razones de su personalidad cuando canta la canción de "All I Want" extraído del album "Blue" de la cantante Joni Mitchell que a continuación te sugiero reproducir a continuación.


Para finalizar, hago énfasis de la estabilidad de la familía en los vínculos conyugal, paternal y filial. La familia de Nic era estable y con la presencia de Paul les permitió experimentar otras formas de ver y vivir la vida, con comprensión, respeto, confianza, afecto y amor, pero lo más importante: sin necesidad de vivir bajo reglas estrictas. Pero, a pesar que Paul fuese el padre biológico de los adolescentes, no tiene cabida en la familia de Nic, quien al ver amenazada su autoridad, pero sobre todo, la estabilidad de su familia hace lo necesario para protegerla como todo anticuerpo ataca a agentes externos que provocan daños a nuestros organismos.

Para el caso de Paul, el haber conocido personalmente a sus hijos le hizo recapacitar sobre su estilo de vida. Si bien, con ser soltero obtenía beneficios al no asumir responsabilidades conyugales y paternales, así como tener la libertad de copular aquí, acá y acullá; relacionarse con sus hijos biológicos le hicieron recapacitar para formar una familia, pero que sea responsable de formar a su propia familia, no meterse a una que ya estaba formada con un nivel de estabilidad ya establecida, misma que había perdurado sin su presencia en cerca de 18 años.

"Los Niños Están Bien" fue estrenada en México el viernes 11 de marzo de 2011; al menos en la cadena de cines al que acostumbro asistir la tenía en exhibición hasta el jueves 31 de marzo, por lo que en cartelera solo duró 3 semanas. En Estados Unidos se estrenó comercialmente el 30 de julio del 2010. Obtuvo el galardón de Mejor Película (Comedia) en los Golden Globes 2011, aunque a mi parecer no es comedia, sino una película con contenido más orientado al drama. Además, en los Academy Awards 2011 fue nominada en la categoría de Mejor Película. Es obra de Lisa Cholodenko en la dirección, y con Stuart Blumberg escribe el guión. Si gustas verla, probablemente se encuentre en el interior de la República Mexicana, para el DF quizá será hasta que esté disponible en renta (o ya será tu decisión si apoyas la piratería). A mi parecer es un producto sobrevalorado al ser considerado en las premiaciones gringas; no por ello es causa para dejar de ver una película que retrata la estabilidad familiar, independientemente que las figuras conyugales sean personas no-heterosexuales; su valor radica en transmitir la importancia del afecto y de los estímulos de aprecio que son más importantes para motivar al ser humanos en lugar de establecer el orden y los buenos modales entre sus integrantes.

Desgraciadamente no fue una película que recibió el apoyo en taquilla durante su periodo de exhibición, para la Canacine no apareció en los primeros 10 lugares en su semana de estreno. Una película que hace reflexionar al espectador es preferible a ver películas "sin contenido" como aquellas que ocuparon los lugares 5 y 10 de la siguiente tabla; en fin, es cuestión de gustos.

Preferencia del público mexicano
Fin de semana 11 del año 2011
(Del 11 al 13 de marzo)


miércoles, 30 de marzo de 2011

Moviecomentario - "La Otra Familia"

De los días transcurridos del presente año, "La Otra Familia" es la primera producción mexicana que veo en pantallas cinematográficas del 2011. Estrenada el viernes 25 de marzo, es producto de Gustavo Loza, tanto en guión como en dirección; anteriormente dirigió tres largometrajes: "Atlético San Pancho" (2001),  "Al Otro Lado" (2004) y "Paradas Continuas" (2009).

En la página oficial de internet de la película, se le cataloga del género LGBT (Lesbian, Gay, Bisexual, Transgender), que es un término que hace referencia a una comunidad cuyos integrantes se identifican por tener preferencias de sexo y sexualidad no-heterosexuales. Además, se le ha promovido bajo el eslogan de "Todo México habla de la otra familia"; y, juzgando por cómo se ha promocionado en avances cinematográficos previos, ha llamado la atención del espectador por abordar el tema de la adopción de un niño por parte de una pareja de varones gays.

En base al Censo de Población y Vivienda 2010, realizado por el Instituto Nacional de Estadística y Geografía (INEGI), somos 112.3 millones de habitantes en los Estados Unidos Mexicanos, de los cuales 83.9% se declara católico. Resulta curioso observar que, en los últimos 100 años, la población en nuestro país aumentó a una razón de 638.82% (¡así es!, en 1910 se contabilizaron 15.2 millones de habitantes), mientras que la religión predominante, la católica, decrementó 15.42%.

Hago mención de la religión católica porque es imposible ignorar el hecho que en México existe una comunidad católica de 94.2 millones de fieles que son libres de acatar normas de conducta que su iglesia les exhorta aplicar en sus vidas diarias para "no vivir en el pecado". Las normas de la comunidad católica choca con el concepto y la forma de ver la vida de la comunidad LGBT. Como habrás leído, ya he hecho mención de dos comunidades (la católica y la LGBT), y por ello definamos que es una comunidad.

Una comunidad proviene de la etimología latina 'communis' (com + munis), que significa 'que colabora en realizar una tarea (en común)'; por lo tanto, una comunidad es un conjunto de seres humanos que se unen bajo una necesidad, ó un bien, ó una meta en común.  No hay que confundir la palabra comunidad, la cual difiere de la palabra sociedad, que deriva del latín 'societas', que significa 'compañero'; sociedad, es pues, la relación de personas que conviven entre sí dentro de una zona geográfica en común.

Para la iglesia católica, la familia es la célula básica de la sociedad porque es la institución de donde se aprenden los valores que dan consistencia a la vida humana. Los medios que considera para consolidar la vida familiar son la fidelidad conyugal, la educación de los hijos y el empeño por resolver los problemas del hogar; dicha consolidación se obtiene gracias al amor; el amor refuerza los vínculos conyugal, parental y filial; así permitirá tener una relación familiar sana que estimulará la difusión de una vida social sana. La experiencia de ser persona se aprende de la familia. La familia será capaz de resolver las incoherencias sociales al ejercer adecuadamente los ámbitos de: vida familiar, economía, trabajo, política y educación.

Dentro del universo en que se desarrolla ésta película, es posible identificar que dentro de la sociedad mexicana asentada en la Ciudad de México refleja como vive en la actualidad las familias, esas células básicas de la sociedad están siendo atacadas por un cáncer que las está deteriorando. Se muestran familias en que: la mujer es el último bastión que lucha por salir adelante, pero ¿qué sucede cuando no asume su responsabilidad?; existe un enlace conyugal, pero ¿qué sucede cuando el amor ha dejado de existir entre el hombre y la mujer?.

Es por ello que en la película abre con una escena de contrastes, de la que figura la escena en que un sacerdote católico oficia una misa particular para celebrar el matrimonio entre dos varones homosexuales; pero que alguien me explíque ¿desde cuándo la Iglesia católica aceptó y oficia misas de matrimonios entre dos personas no-heterosexuales?. A pesar que se pida tener "una mente abierta", y si la película quiere crear consciencia al conocer y aceptar las realidades contemporáneas, no debiera recurrir en hechos utópicos.

Por otra parte, confieso que me es difícil identificar al protagonista debido a la gran cantidad de personajes que aparecen en la película presentando un problema propio que cada uno debe resolver. Para mí, eso demuestra que se quiso abordar diversas situaciones que entran forzosamente en la historia, haciendo que se pierda lo que realmente se quizo transmitir, como por ejemplo:
  • Drogadicción. Nailea Norvind interpreta a Nina, una mujer sin motivaciones y ambiciones en su vida; adicta a lo que parece ser cocaína, prefiere dedicar su tiempo en saciar sus placeres teniendo como pareja a un narcomenudista en lugar de entregarse completamente a su hijo para que éste mismo se desarrolle plenamente, como... ofrecerle el apoyo necesario para educarlo y formarlo en un hombre de bien y productivo a futuro; pero entonces, ¿qué la hará recapacitar y cambiar a Nina para obrar adecuadamente?. Sé que las comparaciones están mal, pero aún en mi memoria tengo papeles de madres drogadictas interpretadas convincentemente por Lyndsey Marshal en "Hereafter" (2010) y Maricel Álvarez en "Biutiful" (2010), las cuales no exageraron en abusar del recurso de gritos, golpes y uso de lenguaje vulgar, aunque interpretar a una mujer que está fuera de sus casillas y que se sacrificó para realmente perder peso corporal, le sentó bien a Norvind. 
  • Crimen Organizado. Es el fiel reflejo de lo que se vive hoy en día en diversos puntos de la República Mexicana; notas que generan ventas seguras para diversos periódicos, revistas y noticieros nacionales. Refleja cómo operan y realizan fechorías sus integrantes sin que la autoridad intervenga, por lo que se le puede considerar cómplice al no ejercer y hacer cumplir la ley al obrar con impunidad. Patrick, interpretado por Andrés Aleida, es el personaje inmiscuido en esos grupos, quien presionado por saldar una deuda con los narcotraficantes "del barrio" ve en el hijo de su pareja, Nina, la solución a sus problemas con la posibilidad de traficarlo con el mejor postor. Su jefe, "El Caimán", es interpretado por Mario Zaragoza; al consultar su filmografía, me sorprende que no haya visto anteriormente alguna película en que él aparezca ("Desierto Adentro", 2008; "De la Calle", 2001), mis respetos para éste señor.
  • Inseminación Artificial. Ana Serradilla asume el papel de Ivana, amiga de Nina. Ella es la responsable de "rescatar" del abandono que sufre el menor de edad; es quien le pide a la pareja gay de Jean Paul/Chema que cuiden al niño durante el tiempo en que ella se encuentrará en Houston, Tx, para que su pareja, Gloria (Ana Soler), le practiquen la fecundación artificial. Sin duda alguna es un tema controvertido, a pesar que técnicamente es posible; será siempre cuestionable para una sociedad que se encuadra en normas morales y religiosos; hoy en día no conozco a plenitud las consecuencias psicológicas de la "generación de probeta" y a un gran sector de la sociedad no ve con buenos ojos el hecho de donar el óvulo o el esperma, el de rentar el vientre de otra mujer (quizá, sin tener relación consanguínea alguna con los padres biológicos), finalmente, esos seres humanos no se forman dentro del vientre de su propia madre y la que le dio a luz no será la que le amamantará, le cuidará y le apapachará; al final de cuentas, los lazos naturales y afectivos entre madre-hijo se ve ya roto desde el inicio, todo gracias a que el hombre le gusta jugar a ser Dios. Quizá esa es la razón por la que a uno de los personajes que supone practicar el libertinaje a su máximo esplendor le hace entrar en razón. Es por ello que ya tengo pretexto para ver la película "The Kids Are All Right" (2010), para ver como se maneja éste tema. 
  • Prejuicio. Por naturaleza, el hombre teme a lo desconocido; en el caso de la homosexualidad, la "gente normal" tiende a crear juicios negativos sobre aquellos que son "diferentes". Tanto gente humilde de escasos recursos como la arrogante de posición económica acomodada; creen que ser homosexual es sinónimo de ser pederasta. ¿Cuántas "personas normales" no viven en un ambiente de violencia intrafamiliar?, ¿cuántos violadores no abusan de miembros de su propia familia?. No se tiene confianza en los demás por tener el concepto de que el hombre es malo por naturaleza y con ese pensamiento se atrae con mayores posibilidades de toparse con gente mala en nuestras vidas; todos vemos por nuestro propio beneficio; desgraciadamente somos más egoístas en lugar de ser generosos y considerados con los demás. El ser humano siempre encontrará excusas para librarse de sus malos actos y culpará a terceros, en éste caso a una comunidad incomprendida y desprotegida en la actualidad de nuestras sociedades. Dos películas que recuerdo aborden éste punto: "The Man Without a Face" (1993) y "Doubt" (2008). 
Causa gracia que se retrata a la servidumbre de entrometida y generadora de chismes sobre los asuntos privados y personales de sus patrones, todo en base a la ignorancia; los mismos debieran mostrar respeto, ofrecer la confianza y el apoyo hacia sus patrones; pienso que uno debe estar agradecido de contar con un empleo con el cual puedes desarrollarte como persona. Gabino (Silverio Palacios) cree que sus patrones abusan de la integridad del niño; ¡vaya ejemplo que él da! cuando lo lleva a una función de lucha libre en donde el menor aprende a decir palabras altisonantes en exceso para ofender a terceras personas.

Si bien la película aborda un tema con el objetivo de que el espectador cambie su forma de pensar ante la discriminación que viven hoy en día los homosexales, aún se hace notar otras formas discriminatorias, aunque sean usadas en forma de broma:
  • Demuestra que en la actualidad existe distinción por la raza del individuo. "Mira qué bonito es. No es prietito. Es Güerito, como nosotros" es el diálogo que Patrick sostiene ante la pareja "bien acomodada" de Agustín y Luisa (Juan Ríos y Dominika Paleta, respectivamente).
  • Se tiene la creencia que un sacerdote (¿de la iglesia católica?), por ser célibe y casto, de seguro es gay. El padre Tomás (Alejandro Calva), oficia misa para celebrar la unión de una pareja gay; ¿desde cuando la iglesia católica ha oficiado misas de éste tipo?, acaso hace la excepción porque Jean Paul y Chema ¿son miembros honorarios de su club gay?); además, ¿los sacerdotes hablan de forma amanerada?.
  • Finalmente se encuentra la discriminación debido a la clase socio-económica. Mientras se tenga un buen trabajo, el ambiente es agradable, cálido y colorído gracias a obtener la felicidad en base a bienes materiales; el ambiente será hostil, frío y sombrío debido a pertenecer al estrato de pobreza. La única que se salva es Doña Chuy (Carmen Salinas) quien es fiel creedora católica, pero tiene la duda si el amor que demuestran sus patrones hacia el hijo es en verdad sincera, desinteresada... aquella que se ofrece para ayudar al necesitado sin esperar recompensa alguna a cambio.
Sobre el último punto tengo una protesta. Cómo es posible que en países desarrollados se produzcan películas que retratan a personas de niveles socio-económicos bajos para demostrar la determinación de sus personajes para luchar contra sus adversidades, como se puede ver en "The Fighter" (2010) o en "Fish Tank" (2009). En su lugar, la película demuestra que el mexicano tiene delirios de grandeza, que el mexicano anhela vivir (económicamente) mejor; para la película, ¿solo la gente acomodada puede ser capaz de ofrecer la educación que un menor de edad necesita para desarrollarse como persona? México es un país que, basándome en datos de INEGI del censo 2010, cuenta con 112.3 millones de habitantes; el pasado 29 de marzo de 2010, el secretario de Desarrollo Social citó la cifra de 70 (¿setenta?) millones de pobres correspondientes al año de 1995,  representando un porcentaje de 76.5% con respecto a la población total registrado en ese año. Veamos a nuestros alrededores, la mayoría de nuestras pláticas contienen altas dosis de bienes materiales (mientras más poseas, mas chingón te crees), pero ¿cuándo se habla de los valores humanos?

La actualidad del sistema jurídico mexicano y el "bulling" son otros temas que la película aborda. Pareciera que no nos bastó con la exposición en "Presunto Culpable" (2011) para seguir soportando de las injusticias e impunidad que imparte el entidades gubernamentales.

Son demasiados asuntos que se quieren tratar en la película que desatiende contar la historia principal y de  una forma más conmovedora. Hubo momentos en que me pregunté si me perdí de alguna escena importante durante la proyección de la película; desde un principio, resulta que Jean Paul (Jorge Salinas) accede a hacerse cargo de Hendrix (Bruno Loza) ante la negativa de Chema (interpretado por Luis Roberto Guzmán) de tenerlo en su casa; a pesar que éste ultimo trataba mal a Hendrix, llega un momento determinado en que Chema se desvive por atender y educar al pequeño, ¿qué fue lo que ocurrió para que Chema cambiara repentinamente de parecer?. Definitivamente es un gran error de edición, pero también cae en responsabilidad del director para ver como nace y se desarrolla la familia en la casa de Jean Paul/Chema. 

Sobre la actuación de éstos tres personajes, es Luis Roberto Guzmán quien recibe la atención de las cámaras la mayor parte del tiempo, pero además me sorprende la "naturaleza" con la que interpreta a un homosexual; por ello, la prensa le ha formulado preguntas sobre si en verdad es actuación o si esa es su verdadera forma de ser. En contraste, Bruno Loza actúa como robotito; para que prospere en la actuación deberá expresar mejor los sentimientos... !sentimientos¡, eso es lo que faltó explotar en toda la película, para que los espectadores sintieran la problemática que viven los personajes y el deseo de triunfo la añore quien esta sentado en la butaca; falta hacer que el espectador "sintiera ponerse los zapatos" de los personajes.; solo se limita a provocar algunas risas debida a comentarios o momentos chuscos.

No obstante de que parezca que resalto los puntos negativos de la película, a mi juicio es recomendable... recomendable, muy por encima de producciones gringas donde los Sandler, los Stinller, etc. hacen sus aparición. El esfuerzo que hacen la mayoría de los actores, ¡lo vale!; sirve que se apoya al proyecto de una versión mexicana sobre una pareja gay que busca tender la mano al necesitado para sacarlo adelante cuando existen otras familias que aparentan ser normales de fachada, pero disfuncionales dentro de la casa. Por último, cabe resaltar el papel del gobierno, cuando mete su cuchara... por hacer el bien, resulta que los tres personajes se envuelven en ambientes hostiles, donde el amor es inexistente.

Como conclusión, si se desea tener sociedades sanas se debe empezar a tener familias sanas y el principal elemento para obtenerlo es el amor. Jean Paul y Chema manifiestan ese amor, pero es mal visto por el simple hecho de ser homosexuales ante una sociedad mexicana, cuya mayoría es fiel a las ideas y normas católicas.  Bajo esa primicia, recuerdo haber visto una película (resultado de una renta en DVD) del que no recuerdo si se tratase de una producción británica ó australiana, desgraciadamente no recuerdo ni el título, ni el año de producción ó algún nombre de actor ó del director... pero trata sobre el mismo tema, el amor familiar también emana de parejas homosexuales; por eso tengo la impresión que "La Otra Familia" es una copia de esa película, del que hoy en día no puedo respaldar o encontrar siquiera por Google.

Para concluir, manifiesto que me parece de mal gusto que una película se promocione con la idea de fomentar conciencia de las conductas de personas no-heterosexuales para comprenderlas y aceptarlas, haciendo uso del escándalo a base del morbo en redes sociales o en diversas notas de páginas web. En fin, Fox International ha optado por ese camino para generar utilidades y ya verá las consecuencias; por lo pronto, ocupó el tercer lugar de taquilla del fin de semana No. 13 del 2011 con un ingreso de 8.3 millones de pesos, los cuales no pintan bien cuando esa tendencia decrece a medida que transcurran las semanas de exhibición; comparándolo contra "Pesunto Culpable", está muy lejos que obtenga un ingreso máximo de 17.3 millones de pesos que el documental obtuvo, en un comportamiento anormal para una película en exhibición, en su tercera semana de proyección comercial.

A continuación les recomiendo leer el siguiente artículo que trata sobre el tema de la familia:
http://es.catholic.net/abogadoscatolicos/429/2431/articulo.php?id=31840

Preferencia del público mexicano
Fin de semana 13 del año 2011
(del 25 al 27 de marzo)


domingo, 20 de marzo de 2011

Moviecomentario - "The Fighter"

Al publicar ésta entrada ya son conocidos los ganadores del Oscar 2011, y apenas doy el "banderazo de salida" a ésta entrada sobre la película de "El Peleador". Su estreno en EUA fue el 10 de diciembre de 2010, y 2 meses después llegó a tierras mexicanas, el 11 de febrero de 2011, teniendo la oportunidad de verla 6 días después. Confieso que en aquella ocasión salí de la sala convencido que sería "The Fighter" que ganaría la categoría de mejor película de los Academy Awards, pero esa idea cambió tres días después, cuando vi "The King's Speech" y por alguna razón ambas películas compitieron en las categorías más importantes de la premiación: Guión Original, Edición Fílmica, Dirección, Mejor Actor de Reparto, Mejor Actriz de Reparto y Mejor Película.

En el universo de "The Fighter" (basada en un hecho real) la historia se desarrolla en la ciudad norteamericana de Lowell, Massachusetts. Así mismo, hace uso de una de las actividades deportivas más antiguas: el boxeo. Debo confesar que no soy fanático de ese deporte, debido a la cuestión de someter a dos tipos para intercambiarse puñetazos entre el abdomen y el rostro; para ello, es de suma importancia tener la adecuada preparación que les permita soportar los castigos físicos que pueden tener consecuencias mortales... y de pensar que lo hacen a cambio de algunos cuantos billetitos verdes. Eso sí, reconozco la entrega de quienes lo practican dado que es una actividad que requiere de dedicación, entrenamiento, técnica, táctica, fortaleza, resistencia, condición y, sobre todo, disciplina.

En la actualidad, el boxeo es toda una industria económica; seguirá siendo un buen producto mientras exista público que lo consuma y de patrocinadores que aprovechen el mercado que le genera enormes utilidades, razón por la que existen una "infinidad" de organizaciones, tales como: la World Boxing Association (WBA), World Boxing Council (WBC), World Boxing Organization (WBO) ó International Boxing Federation (IBF); cada organización maneja sus divisiones y campeonatos a su antojo; al final de cuentas se busca el espectáculo para generar utilidades sin respetar el prestigio que se merece éste deporte, todo gracias a la dedicación y entrega de aquellos que lo practican.

Micky Ward (interpretado por Mark Wahlberg) es, en la película, un boxeador profesional víctima de los vicios y de los turbios intereses que envuelve a la organización boxística al que está afiliado, a pesar de ello busca la oportunidad para destacar en ese deporte. El ejemplo más claro es cuando, a minutos de iniciar un combate, le cambian su contrincante por otro que es de mayor peso; ante la disparidad de condiciones, Micky asume la postura de no subir al ring y exige a los organizadores su pago que por derecho le corresponde; aquellos ignoraron la injusticia de enfrentar a dos boxeadores con pesos distintos, a sabiendas de la necesidad económica del personaje le responden con la sentencia de: "si no hay pelea, no hay pago". Ward no tuvo otra opción, "se la jugó"; obtuvo como resultado su "jugosa" remuneración con la consecuencia de haber recibido una tremenda golpiza; lo peor de todo ello es que, a partir de ese momento sería visto ante la afición como toda una vergüenza del boxeo y los promotores lo contemplarían solamente para enfrentarlo antes nuevos boxeadores que necesitan preparación con la finalidad de ser lanzados al profesionalismo (desconozco el nombre que le asignan a ese tipo de boxeadores, como aquellos que le han puesto enfrente a los hoy en día famosos boxeadores Saúl "Canelo" Álvarez y Julio César Chávez Jr., productos de las campañas mediáticas que elaboran las televisoras mexicanas que los apadrinan: Televisa y TVAzteca, respectivamente).

La derrota que sufrió Micky no solo repercute en el ámbito profesional, sino también en el personal. Su vergüenza es tan grande que no quiere ser visto en la población de Lowell, Massachusetts, que incluso no cumple con la cita  pactada con Charlene (papel a cargo de Amy Adams -"Enchanted", 2007; "Doubt", 2008-) la dama que conoció en un bar de su localidad y por quien hizo "su lucha" al protegerla de los tipos que la molestaban y la ofendían, a los que además les exigió mostrarle respeto. Sin conocerse lo suficiente, Charlene tiene el valor de tener la iniciativa al tocar la puerta de la morada del boxeador para exigirle la razón por la que "la dejó plantada". Quizá Charlene, cuya prometedora carrera de atleta se vió opacada en el pasado, decidió dar el primer paso para afianzarse de Micky, pero con qué motivo... será porque ¿obtendrá la satisfacción por estar colaborando con otra persona para obtener los triunfo deportivos que ella no pudo conseguir?. A mi parecer Charlene y Micky muestran tener cierta empatía, debido principalmente a los fracasos que ambos han sufrido, sin embargo, deberán lidiar con otro obstáculo: la familia de Micky Ward.

Alice (actuación de Melissa Leo -"The Three Burials of Melquiades Estrada", 2005; "Frozen River", 2008- donde el tema de los indocumentados es parte del universo de ambas películas-), es la madre de Micky, así como la imagen de autoridad en la forma de: Manager para sus dos hijos boxeadores y Matriarca para toda su familia. Alice ve amenazada su jerarquía y autoridad al percatarse que ya no es la persona que influye en la toma de decisiones de su hijo, sino Charlene.

Ambas mujeres pondrán a Micky en una situación comprometida; la madre manifiesta su desconfianza hacia las personas que no son miembros de su familia, bajo el concepto que todo ser humano es malo por naturaleza; en cambio, Charlene considera a la Familia Ward como el cáncer que provoca el ocaso de la carrera boxística de su novio y para que su carrera consiga el éxito, deberá contemplar los servicios de gente especializada en el deporte y en la dirección para ejercer exitosamente el pugilismo. Sin duda alguna, son dos posturas encontradas ya que, para trascender en el boxeo, ambas exigen a Micky deshacerse de una de las dos mujeres que ama; ¿qué hará Micky?, ¿hacer a un lado a su madre de la dirección o rechazar a Charlene por no ser bien recibida por la Familia Ward?

Finalmente se tiene en escena a un tercer personaje que determinará el rumbo de la carrera boxística de Micky, su medio hermano Dicky Eklund (interpretadontado por Christian Bale - "American Psycho", 2000; "The Machinist", 2004). Ex-boxeador profesional de carrera efímera y sin trascencia, cuyo máximo logro reside en la idea de haber tumbado al famoso Ray Sugar Leonard; entrenador de su medio hermano, bajo la indicación matriarcal; padre de un niño de 2 o 3 años de edad; adicto al crack. De estrato humilde, como pareciese que así lo es en la mayoría de la población de Lowell; sin perspectivas de mejorar su calidad de vida; que goza un estado de confort estando en compañia de personas que le dedican la mayor parte del tiempo en actividades banales que les permiten escapar de sus responsabilidades, de sus amargas realidades para permanecer en un estado de felicidad estimulado con el consumo de un estupefaciente.

Pareciera que el boxeo era "el todo" para Dicky; no conocer otra actividad para desarrollarse y mejorar como ser humano hace que tome un sendero que lo encausa a su perdición. Ser adicto al crack solo estimula que pierda la noción del tiempo y que no asuma las responsabilidades que tiene con las personas que en verdad lo estiman. Lo peor de todo, Dicky es consciente que hace mal reunirse con personas que no le favorecen para su bien, sabe que a su madre le lastima enterarse que él esta con "sus amigotes" drogándose con crack. Sí su consciente difiere lo que es bueno y lo que es malo, hay posibilidades que pueda salir del hoyo, pero ¿cómo motivarlo para que cambie para bien?.

A continuación pongo la canción "Strip My Mind" de Red Hot Chili Peppers, extraído del álbum "Stadium Arcadium" (2006), la cual sirve de fondo en el momento en que todos los personajes tienen la iniciativa de cambiar el camino por el que sus vidas serán proyectadas en el futuro, y que sirva de fondo para terminar ésta entrada.


A mi parecer, Dicky es más bien el peleador; aquel cuya batalla no la realiza sobre el ring, sino para su superación y satisfacción personal. Cuando se vio en la necesidad de conseguir dinero, adopta medidas desesperadas con sus amigos en la forma de llegar a cometer actos delictivos como el recurso más fácil para obtener dicho fin. Una vez dentro de la cárcel, crea una falsa realidad de felicidad debido al reconocimiento recibido de los presidiarios. Al momento de ver el documental sobre su vida se percata que su realidad es causa de vergüenzas hacia su persona, hacia su familia y a terceros. Es finalmente el vídeo documental sobre su adicción al crack que provoca la fuerza para revertir la situación y optar recorrer otro sendero para mejorar su forma de vivir. Distinguir entre lo que hace uno bien y lo que hace uno mal, y elegir por la primera opción es en si ganancia para su persona.

Así mismo, para que Micky triunfe en el boxeo, Alice debe tener plena confianza en las personas que han decidido ayudar a su hijo dejando atrás la pasión del deporte y el amor en exceso que manifiesta hacia su hijo, elementos que la cegan y que hacen que no acepte la realidad. En el caso de Charlene debe de limar asperezas con la Familia Ward, en especial con Dicky; debe confiar que Dicky es el elemento que le ayudará a su novio a mejorar técnicamente y establecer tácticas durante los combates que le ayudarán a salir avante.

Paul Tamasy y Eric Johnson son los encargados de hacer la historia y el guión, quienes reciben la colaboración de Scott Silver para la primera y Keith Dorrington en la segunda. Su director es David O. Russell, mejor conocido por al película "Three Kings" (1999). A mi juicio, el hecho que los escritores y el director se enfocaron más en el papel de Dicky hace que el personaje acapare la mayor parte del tiempo y atención de la película; es resultado que se hable de la magnífica actuación de Bale pero también consideremos que para Micky no existieron bastos elementos para que enseñara la calidad actoral de Wahlberg -si es que la tiene-. Independientemente de lo anterior, espero que no haya sido obra de la casualidad que los hombres responsables en elaborar la historia y dirigir la película hayan ofrecido un producto cinematográfico bueno; será interesante ver en el futuro los trabajos que ofrezcan.

Paramount Pictures apostó por su distribución, quizá no haya sido el gran éxito taquillero pero me da gusto que ofrezca un material con riqueza en contenido, como por ejemplo, el problema de la interacción de personas para que en conjunto consigan un objetivo común, las actuaciones del elenco y sus momentos cómicos (sin llegar a ser ridículos o de mal gusto) para aligerar la carga dramática, hacen que la considere como mi segunda película favorita del 2011 de los Academy Awards.

Otras películas que seguramente recordamos donde el boxeo es parte fundamental del universo de sus historias y que ganaron Oscar en la categoría de Mejor Película, son: Rocky (1976) y Million Dollar Baby (2004), donde curiosamente los personajes principales de ambas películas no obtienen la victoria más importante sobre el ring. A mi forma de ver, para un boxeador está primero el orgullo de mantenerse de pie hasta terminar el 12do round, quizá esté perdiendo la pelea según la calificación de los jueces, quizá haya sufrido dos caídas durante el combate, pero puede reponerse ganando por Knock Out en los últimos segundos que restan. Así mismo pueden presentarse, en la vida de cada ser humano, dificultades u obstáculos que debe librar a base de preparación, trabajo, disciplina y esfuerzo; por más hundido que parezca encontrarse un individuo, siempre existirá la forma de salir adelante. Así, en "The Fighter" se presentan algunos casos que deben ser motivo de inspiración para cualquier espectador que haya decidido verla; al menos en mi caso, me levantó el ánimo.

Con ésta entrada ya habré comentado 4 (de 6) las películas que fueron nominadas en las premiaciones de los Golden Globes y de los Academy Awards del año 2011, éstas son: "The Social Network", "Black Swan", "The King's Speech" y "The Fighter", que según mi -no muy experimentado- juicio de apreciación cinematográfica, son las mejores películas norteamericanas de la temporada; las 6 restantes han sido expuestas con finalidad de darles propaganda comercial.


Sitio web del que leí sobre el tema de la drogadicción:
http://html.rincondelvago.com/drogadiccion_9.html

Preferencia del público mexicano
Fin de semana 10 del año 2011
(del 4 al 6 de marzo)






sábado, 5 de marzo de 2011

Moviecomentario - "Das Weisse Band"

Al día de la publicación de ésta entrada ya son conocidos los resultados de los Academy Awards 2011 y aún tengo pendiente publicar mis comentarios sobre las películas que ya había visto hasta el 27 de febrero de 2011, éstas son: "The Fighter", "True Grit" y "127 Hours"; además, me faltan por ver: "Winter's Bone" y "The Kids Are All Right".

Pero por el momento hago una pausa para comentar, en ésta entrada, sobre la película "El Listón Blanco", programada en cartelera de la Ciudad de México desde el viernes 24 de diciembre de 2010; su máximo galardón es la Palma de Oro del Festival de Cannes 2009, razón por la que me llamó la atención ver ésta cinta. Sin embargo -y aquí viene mi queja-, los dedos de mis manos me sobraban para contar las salas cinematográficas que la proyectaban (ni se diga las distancias que uno debía recorrer para llegar a ellas); además, otro problema que debía lidiar: la oferta limitada de horarios de proyección (y luego anda la industria cinematográfica con sus campañas de "Dile no a la Piratería"). De nueva cuenta, nos topamos con el problema de la difusión de cintas 'no comerciales'. Afortunadamente aproveché ir a la Cineteca Nacional, donde todos los martes y miércoles (como el pasado 2 de marzo de 2011) cobran $25.00 MxN, aunque solo estaba programado a las 16:00 hrs.

Debo aceptar que tenía otras expectativas sobre la película, pero, ¿cómo no tenerlas
... si estoy acostumbrado a ver siempre cine hollywoodense?,
... si no había visto otras obras de Haneke anteriormente?. Sin embargo, no me lleve decepción alguna después de haberla visto. Fue gratificante para deleitar al ojo, pero sobre todo ¡me puso a pensar!

Para empezar, hay que considerar que la historia se desarrolla, considerando los sucesos comentados al final de la película, en la segunda década del Siglo XX (1914), en una pequeño pueblo rural (donde en sí la vida es menos acelerada y tediosa que en los centros urbanos). Por otra parte, hay que considerar que la historia es contada por un anciano (en edades cuando el ser humano no cuenta con demasiada lucidez). La suma de éstos dos factores es la razón por la que considero el ritmo 'lento' con el que fluye la historia, pero la forma de hablar del narrador es amena al ser escuchada -aunque, yo como espectador, no hable y ni entienda la lengua alemana-; a mi parecer emana una sensación pacífica, fraterna, sincera y quizá una dosis de ternura. Éste factor sirve de contrapeso para el contenido 'violento' de la película.

Como toda obra del género dramático quise distinguir al protagonista de la historia, sus problemas a superar y al antagonista; ¡qué error cometí!. En la historia entran a escena demasiados personajes que en ocasiones me llegué a confundir. Se encuentra el doctor, sus dos hijos y la niñera (con un hijo con síndrome de Down); el pastor, su esposa e hijos; el duque, su esposa e hijos; un campesino y su familia; y, el profesor, así como la damisela que pretendía conquistar. Prácticamente todos los personajes aportan 'su granito de arena' para enriquecer la historia.

Debo comentar que Michael Haneke estudió filosofía y psicología y usa al cine, como un medio de comunicación para dar a conocer su visión sobre los problemas que aqueja a la sociedad moderna, de forma artística; no está de acuerdo en que se ofrezca al público cine de entretenimiento que sean fácilmente digeridas; para él, el cine es un arte que hará al espectador pensar y formular interrogantes; para Haneke, una misma película será vista, por cada persona que la vea, de distintas formas.

Procederé entonces a expresar, por éste medio, mi forma de ver "El Listón Blanco". Para empezar, el título de la película hace referencia al listón blanco que portan los hijos del pastor de la población, el cual representa símbolo de inocencia, pero, ¿qué es la inocencia?. Por definición, la inocencia es: 1) estado del alma limpia de culpa; 2) carencia de culpabilidad con respecto a cualquier clase de crímen, de pecado o de una mala acción; 3) ingenuidad, falta de malicia. Los hijos del pastor portaban ese símbolo, no porque fueran  unas 'santas palomitas blancas', sino para exponerlos ante la gente que los rodeaban para hacerles de su conocimiento que estaban sometidos a un castigo por haber cometido una falta -la cual no recuerdo bien cuál fue (¡vaya que ando pésimo con mi memoria!, jajaja)-, el castigo les hará pasar vergüenza ante sus semejantes, por lo que se pensaría que por ello evitarían cometer alguna otra falta que los haría pasar por esa experiencia no grata; de aquí lanzo la primera interrogante ¿es acaso el pastor una persona libre de pecado para 'lanzar la primera piedra'?

La pequeña población rural cuenta con dos símbolos de autoridad: la social (en la figura del Duque, o más bien capataz) y la espiritual (en la imagen del pastor); los cuales emplean la técnica de infundir miedo en las personas que tienen a su cargo para poderlas controlar. El Duque, al saber de la necesidad del trabajo de los pobladores para vivir -aunque sea modesta, pero- honradamente, es capaz de no darle tierra a todo aquel campesino que no siga su línea. El pastor, aunque profese y difunda la palabra de Dios ante la población, hará uso de la violencia física como un modo correctivo para 'su rebaño'. Ambos personajes se ganan el respeto de la población, pero no por simpatía o por obrar desinteresadamente por el bien de todos, sino por uno impuesto 'a la fuerza', de aquel que genera molestia, antipatía y rencores.

Con ese yugo al que está sometido el pueblo, es difícil encontrar a un personaje que muestre una sonrisa sincera, aquella que emane de los sentimiento del amor o de la felicidad. El único estado de felicidad es gracias al festín que reciben al finalizar una temporada de abundante cosecha, pero es una felicidad que obtienen debido al estado de ebriedad, la cual también se basa en maltratar, física y verbalmente, a la servidumbre -a su prójimo ó a su semejante-, la cuál es momentánea, es efímera... la denominaría como una felicidad artificial.

Un pueblo oprimido, sin libertades de expresión, sometido a las exigencias de 'sus líderes', provocará que su gente guarde sentimientos negativos los cuales canaliza hacia sus semejantes. De aquí es donde emanan los actos violentos del que hago referencia en el 4to párrafo, y esos son: La caída provocada del doctor quien montaba a caballo (por lujuria, sexo sin amor), el mortal accidente de la esposa del campesino, las torturas del hijo del duque y del hijo de la niñera (por envidia, tanto por lo material como por la felicidad ingenua); pero, la mayoría de los actos violentos son producto de la ira que se presenta en la forma de: las hortalizas arruinadas del Duque, los golpes que el pastor o el administrador dan a sus hijos como excusa de castigo.

Bien dijo el personaje de Yoda al niño Anakin Skywalker, en la película de Star Wars: The Phantom Manace (1999): "Everything! The Fear is the path to the Dark Side. Fear leads to Anger. Anger leads to Hate. Hate leads to Suffering. I sense much Fear in you."

Esas palabras encajan en mi forma de ver al pueblo rural... y ahora, pensándolo bien, el pueblito rural es en sí el protagonista de la película donde todos sus habitantes son utilizados para reflejar el problema que les aflige. El narrador de la película es en sí un personaje del reparto que osa recordar los sucesos para encontrar el por qué de la súbita presencia de extraños accidentes que vivió ese pueblito y que lo cambió para siempre; es el personaje que me causa curiosidad por no estar sometido por ninguno de los dos líderes y difiere a los demás habitantes por buscar él la felicidad de una forma en que no afecte a terceros de forma violenta.

A casi 100 años del tiempo en que se desarrolla la historia de ésta película, muchas cosas podremos ver a nuestro alrededor que no han cambiado. Quizá causará risa en las generaciones actuales que tocar piano ó flauta eran las distracciones en lugar de husmear y escribir banalidades en facebook; que tomar la única bicicleta del pueblo sería como usar el único acceso a internet disponible en la calle. Pero a 100 años de distancia, la naturaleza del ser humano no cambia. Hoy en día podemos ver una revolución social en los pueblos musulmanes que se encuentran al norte del continente africano, que pidiendo libertad de expresión, el retiro de la tiranía de las dictaduras y cansados de las diferencias socio-económicas se desatan en actos violentos.  El pueblito rural de la película va canalizando sus frustraciones por medio de actos violentos.

La esposa del duque está cansada del ambiente tan negativo que se vive en el pueblito, pero además, conoció en otras tierras el amor que no le brindaba su esposo. El profesor del pueblo buscó el amor en una jovencita sometida ante la estricta educación que su familia le imponía, como todo joven de su generación, las cuales se abochornaban por establecer contacto físico alguno.  A mí de verdad me impactó ver a jovencitos que actuaron como robots programados para solamente obedecer a sus padres sin protestar, sin cuestionar o sin dudar de la palabra de sus padres.  Ese hecho no le veo hoy en día en mis sobrinos, cuando aún recuerdo como nos educaron a mis primos y a mí -no en un ambiente tan hostil como en la película, pero sin con algunos golpes que aún mi inconsciente lo tiene traumado-. Esa escena en que parece que al espectador le pintan una línea que no debe rebasar dentro de la casa del pastor refleja la maestría con que cuenta la historia su director, pero sobre todo que hace partícipe a quien ve la película... dan ganas de participar, dan ganas de evitar que el padre golpeé a sus hijos... como de decirle al hijo que no vaya por la vara a sabiendas que sabe él que lo van a castigar... y que te cierran la puerta para que no lo hagas... esos son el tipo de escenas por las que vale la película.

A final de cuentas, el ser humano es un ente orgánico que cuenta con alma, raciocinio y sentimientos... todo elemento de su medio exterior moldeará e influirá en su forma de ser. Todos los habitantes de ese pueblito rural han ido infectados de un mal psicológico cuyos líderes no son capaces de reconocer; si el líder no es capaz de reconocer los cambios del medio exterior que les afectan, difícilmente podrán salir avante de ellos... eso los convierte en cómplices de los actos violentos que comentan sus semejantes. Si el pastor no reconoce la inocencia que expresa su hijo más pequeño, aprende de él y lo profesa hacia los demás, no será capaz de ayudar al prójimo para resolver su problema.

Por alguna razón ésa película ganó la categoría de Mejor Película en los European Film Awards (2009), también el Globo de Oro (2010) en el género de Mejor Película en Lengua Extranjera por encima de la francesa "Un Prophete"o fue considerada en los Academy Awards (2010) donde sucumbió ante la argentina "El Secreto de sus Ojos".

La verdad tengo en la mente varias cosas que comentar. Sin duda es una película con un contenido enriquecedor, digna para comentar e intercambiar ideas a la cual espero que le brindas una oportunidad para que la veas. Dale oportunidad a otro género de película que no sea la hollywoodense, no te arrepentirás.


Preferencia del público mexicano
Fin de semana 9 del año 2011
(del 25 al 27 de febrero)



jueves, 24 de febrero de 2011

Moviecomentario - "The King's Speech"

Sin duda alguna, la moda de los Oscars surte efecto en los 'cinéfilos' mexicanos. Para ver, en su fin de semana de estreno (18 de febrero de 2011), "El Discurso del Rey" (como se le titula en México) se llenó la sala de cine a la que asistí con mi familia y al salir de ella vi una larga fila que esperaba a que se le permitiera el acceso a la misma. De todas las personas ahí presentes, dudo que ninguna haya leído una sinopsis o que haya escuchado algún comentario promocional que los haya motivado ir a verla en pantalla grande; por esa razón, doy por un hecho que era de pleno conocimiento de los asistentes que el principal problema que le aqueja a su personaje protagónico es la tartamudez.

Antes de proceder, y con la finalidad de amenizar la lectura, te propongo reproduzcas el siguiente video con la música que es empleada en la película cuando alcanza su clímax: "Op. 92, Sinfonía No. 7, 2do. movimiento (Aleggretto)", que Ludwing Van Beethoven (1770-1827) compuso en el año de 1812. ¡Así es!, otra película que trato en mi blog que contiene música clásica para reforzar la emoción de alguna de sus escenas.


          Primero, conozcamos sobre el problema del protagonista. La tartamudez, o disfemia,  no se le considerada una enfermedad -yo creía lo contrario hasta antes de ver la película-. La tartamudez es un trastorno de la comunicación que, a pesar de tener la idea de lo que va a decir, incapacita al individuo para producir un discurso fluido; se caracteriza por interrupciones involuntarias que le impiden emitir palabras debido a la falta de coordinación motriz de los músculos responsables de los movimientos productores del habla. Se estima que el problema lo presenta el 1% de la población mundial, de los cuales 75% son varones.
           Los niños comienzan a hablar entre los 2 y 4 años de edad, y es común que presente tartamudez por unos cuantos meses cuando repiten sílabas o palabras con frecuencia. Si a los 5 años de edad aún presenta tartamudez, debe ser síntoma para extremar cuidados. Las características de la tartamudez anormal son: rapidez en las repeticiones, breve duración de las vocales en las repeticiones, tensión muscular excesiva, bloqueos motor-verbales, y conducta de esfuerzo para hablar. Manifestaciones extremas en la tartamudez son: tensión visible -como movimientos repentinos y en ocasiones repetitivos en: cabeza, mandíbula, labios y/o manos-, parpadeo constante y gesticulaciones exageradas.
          La pronta identificación de la tartamudez y su tratamiento especializado contribuirá a que el individuo no la desarrolle de forma crónica y que 'a la larga' dificulte su solución. Este trastorno de comunicación es de incumbencia familiar, educativa y social, ya que esos tres factores contribuyen en dificultar la vida de la persona tartamuda debido a su desconocimiento de la alteración o serán factores que apoyen a superar su problema. A pesar que una de sus causas sea por herencia genética, son las situaciones traumáticas -tales como las burlas, las críticas, los regaños, las exigencias, las agresiones- las que crean un ambiente adverso que le encausen adoptar actitudes de miedo y tensión, con experiencias negativas que permanecerán en el inconsciente del individuo.
          Para terminar éste breviario cultural, cabe hacer consciencia que al sujeto con tartamudez se le debe crear un ambiente relajado a base de paciencia y de la comprensión del problema que le aqueja. Debemos considerar que una persona tartamuda no es una persona de menor habilidad o de menor inteligencia ya que cuenta con las mismas capacidades promedio del ser humano. Pero no solo debemos aplicarlo en ellos, sino a todos aquellos que nos rodean. Esto me ha hecho reflexionar a que debo mejorar en éste sentido, donde debo ser paciente con terceros, evitar de no interrumpirlos al momento que les toca su turno de hablar o de corregirlos o completar el enunciado de lo que quieran decir -cosas que hago, inconscientemente y sin medir las consecuencias, en momentos que me orillan al borde de la desesperación-. Como sociedad debemos aprender a crear y generar ambientes de diálogo donde los integrantes escuchen con atención y respeto.

Ahora trasladémonos al universo en que se desarrolla la historia de la película. El lugar: Gran Bretaña. La época: entre los años de 1925 y 1939, durante el breve periodo de paz (de 21 años) que se vivía en Europa. En éste momento no puedo imaginar otro tiempo y entorno que difundiera mejor el tema de la tartamudez con una historia emotiva e inspiradora para el espectador y cuyo personaje principal no solamente debía de obrar para cambiar por su propio bien, el personaje principal debía de asumir un cargo que, por obligación,  proyectara una figura que inspirara seguridad y determinación para todo un pueblo que empezaba a vivir, nuevamente en carne propia, momentos difíciles.

El Rey Jorge VI (1895-1952), padre de la actual Reina Isabel II, es quien sufrió de tartamudez en la vida real y bien -tú, lector- podrás comprobar su problema en videos originales en las que tenía que oficiar discursos públicos. El actor responsable de encarnar a ese histórico personaje es el inglés Colin Firth; y ¡sí!, es el mismo actor de reparto que participó en la película "Bridget Jones's Diary" (2001) y que en el 2011 recibe su segunda nominación consecutiva para la categoría de Mejor Actor de los Academy Awards. Yo le admiro en ésta película el hecho de asumir el papel de un tartamudo, pero que además, debe mostrar varias emociones consecuencia del ambiente al que pertenecía. Temor al hablar en público; soberbia ante personas que no son de la realeza; ira cuando no podía expresar sus ideas; tristeza e impotencia cuando era objeto de burlas y regaños; nerviosismo ante situaciones críticas -razón por la que adoptó adicción al tabaco con el pretexto que le servia de 'relajación'-; inseguridad se sí mismo por sentirse menospreciado al no creerse capaz de 'llevar las riendas' de un reino. De verdad me da gusto ver cómo éste actor ha crecido en una década.

Por otra parte, tenemos al personaje australiano Lionel Logue (1880-1953) -interpretado por el actor, igualmente australiano, Geoffrey Rush-, que en la película nos lo muestran como una persona relajada que cuenta con una familia, que a pesar de no contar con bastos recursos económicos, llevaba una vida tranquila  en base a la buena educación, comprensión, respeto y -sobre todo- amor. Lionel era fánatico de las obras de Shakespeare, razón de su gusto por participar en audiciones de actuación pero que conseguía sin éxito los papeles de actuación que tanto añoraba tener. Honradamente se ganaba la vida en ayudar a personas con problemas del habla en base a su experiencia de la aplicación de métodos en soldados afectados por la Primera Guerra Mundial (1914-1918); precisamente en esa época no era plenamente conocida la disciplina de la psicología, al que a Segmund Freud (1856-1939) se le considera su precursor.

Al momento de ver la película, no consideré el hecho que Lionel aplicaba métodos -desconocidos para  la mayoría del público de aquella época- en base a su experiencia; no sabían que su trabajo se enfocaba directamente hacia el inconsciente del paciente con la aplicación de ejercicios y prácticas nada ortodoxas con la finalidad de hacer posible la coordinación entre los pensamientos y los músculos del habla. En el ambiente de su trabajo  se puede sentir un ambiente cordial, amable y tolerante.  Quizá ese es el ritmo en que transcurre la historia de la película que al pensarlo bien va muy de acuerdo al ambiente que un terapeuta requiere tener en su ambiente de trabajo, donde no debe caer en la desesperación, incluso es capaz de soportar insultos resultado de la sensación de fracaso del paciente quien debe comprender que no se obtendrán resultado positivos de manera inmediata.

Por naturaleza, el humano teme a lo desconocido de manera que lo orilla a actuar, de manera irracional, con rechazo, con descalificaciones o adoptando medidas extremas. Una vez que se percate de la naturaleza de 'aquello' considerado como desconocido, se dará cuenta de los errores que cometió, y gracias a la comprensión de su naturaleza, lo asumirá, lo adoptará y/o lo protegerá para obtener un beneficio propio. Jorge VI le cuestiona a Lionel sus técnicas, le cuestiona del porque no cuenta con un título profesional, le exige que le explique porque confiar en él para tratar un mal que en sí requiere de paciencia y tiempo para obtener resultados positivos. Con el tiempo, el mismo se respondió sus interrogantes... con el tiempo.

De aquí es donde, en la actualidad, se refleja  la diferencia de ser un profesionista y un profesional... y me recuerda al personaje de Marcus, de la película "Hereafter". Marcus y Jorge VI, buscan a la persona adecuada que los lleve a cumplir su objetivo, pero se topa con cuanta persona que osa decir que es la solución a sus problemas que, sin embargo, en realidad no les satisfacen por no ser la adecuada persona preparada en ofrecer la solución a su problema.

Casting, ambientación y vestuario de la época; la forma de narrar la historia y la riqueza de su contenido; la sensación de que el espectador sienta una emoción positiva de superación del protagonista habla del buen trabajo de la producción y de, sobre todo, del director Tom Hooper, de nacionalidad inglesa, sin trayectoria internacional previamente reconocida. "The King's Speech" viene siendo su trampolín para ser reconocido ante el mundo, y ¡vaya forma de hacerlo!. Sin duda alguna es para mí, LA PELÍCULA del 2011, sea cual sea el resultado que obtenga el próximo 27 de febrero en los Academy Awards.

Por último, debo reconocer: ¡qué excelente actriz es la inglesa Helena Boham Carter!. No será la más bonita, pero qué poder demuestra en la pantalla al interpretar sus papeles. La actriz me irrita con solo verla en su papel de Bellatrix en las películas correspondientes a la saga de Harry Potter que hasta la llegaba a odiar, y creo que todo aquel que la llego ver en la reciente versión de "Alice in Wonderland" 'le cayó mal'. Sin embargo, la perspectiva cambió al verla como la Reina Elizabeth (o La Reina Madre) por ese soporte a base de comprensión, paciencia y amor que inspiraba hacia su esposo, Jorge VI.

"El Discurso del Rey" es una apuesta que realiza el estudio The Weinstein Company y la UK Film Council. Al menos en su tierra ha ganado British Academy of Film and Television Arts (BAFTA) por las categorías de: Mejor Película,  Mejor Película Británica, Mejor Libreto Original, Actor Protagónico, Actor de Reparto, Actriz de Reparto y Música. El estreno en Estados Unidos fue el 24 de dicembre del 2010, mientras que para el Reino Unido fue el 7 de enero del 2011; aproximadamente dos meses antes de que llegara a México (¡qué barbaridad!).

¿Será que hasta aquí llega el reconocimiento de ésta producción?

¿Será una de esas películas, que a pesar de contar con más nominaciones en los Academy Awards (12), una mas de aquellas consideradas como las grandes perdedoras?

¡Yo lo dudo!

Aprovecho el espacio para agradecer 'al cuñado' de haber invitado, a mi familia y a mí, a ver ésta (para mi juicio) grandiosa película.

Por último, mi moraleja... ¿cómo dudar que haya sido un ser todo poderoso el creador de la maravilla llamada vida, en todas sus expresiones, en el planeta Tierra?  Solo piensen quién diseño un cuerpo orgánico que tiene, alma, consciencia e inteligencia; que involuntariamente coordina sus pensamientos desde el cerebro y que por impulsos eléctricos, a través de su sistema nervioso, realiza inconscientemente el movimiento de todos los músculos que se involucran (en éste caso) para emitir, por medio de la fonética, palabras y estructurar enunciados en base de milésimas de segundos... que maravilla de la naturaleza, el de poder establecer comunicación con otros... ¡vaya poder de diseño para un ente orgánico!

Preferencia del público mexicano
Fin de semana 8 del año 2011
(del 18 al 20 de febrero)


Fuentes consultadas para abordar el tema de la tartamudez:

domingo, 20 de febrero de 2011

Moviecomentario - "Black Swan"

La distribuidora Fox Searchlight cuenta con dos filmes con las que busca ganar el máximo galardón de la premiación más importante de la industria cinematográfica norteamericana del año 2011, éstas son "127 Hours" y "Black Swan"; la última de ellas es una de las 6 producciones nominadas para la categoría de mejor película, como lo fue en los Golden Globes Awards, como lo es (para el 27 de febrero de 2011) en los Academy Awards.

La historia de "El Cisne Negro" (título como se le conoce al filme en México) se centra en la fase de planificación de un proyecto cuyo producto final será la puesta a escena el ballet Op. 20 "El Lago de los Cisnes" (1876) de Tchaikovsky, por parte de una escuela de ballet situada en la ciudad norteamericana de New York. 

¡Vaya!, ya son dos películas, que he visto en el lapso de un mes, donde las obras de Pyotr Ilyich Tchaikovsky (1840-1893) forman parte del universo de sus respectivas historias; la otra película es la francesa "Le Concert" y aún mi mente provoca que inconscientemente tararee el Op. 35 "Concierto de Violín en D Mayor" (1878). ¡Qué bien!, que la industria cinematográfica difunda obras clásicas hacia las nuevas generaciones que ven regularmente cine.

          Para quien no conozca o haya visto el ballet "El Lago de los Cisnes" -como es mi caso- trataré primero algunos datos interesantes de esa obra de danza clásica.
          En cuanto a música, El Op. 20 de Tchaikovsky es considerado, quizá, el ballet más apreciado de todos los tiempos y desde luego que es la riqueza y el poderío de sus melodías que provocan, tanto melancolía, como alegría, en el espectador. Se cuenta que el compositor ruso trabajó a marchas forzadas durante 11 meses para tenerla lista en la fecha de estreno, el 4 de marzo de 1877, en el Teatro Bolshoi de Moscú; para aquella ocasión, fue objeto de críticas, así como de haber sido considerada como un rotundo fracaso. Posteriormente, el compositor italiano Riccardo Drigo se encargaría de añadir otras piezas musicales como parte de la segunda producción (1895).
          A los rusos Vladimir Beghiscev y Vasili Geltzer se les acredita el guión de la historia de amor entre el príncipe Siegfred y la princesa-cisne Odette, quien vive bajo el hechizo del maligno Von Rothbart y consiste  en convertirse en cisne durante el día y de noche adopta nuevamente su forma humana; Siegfried formalizaría -ante los ojos de su madre- su declaración de amor sincero y eterno hacia Odette al elegirla como esposa en un baile real, hecho con el que se rompería el hechizo de la que es víctima la princesa-cisne; en el baile real, Odile, hija del maligno hechicero y quien adopta la apariencia de Odette, es escogida por el príncipe para ser su esposa, ocasionando que Odette adopte la forma de cisne para toda su vida al no haberse cumplido el juramento de amor por parte de Siegfried; al conocer la verdad de los hechos, la decisión que optan los dos enamorados para vivir felices para la eternidad es la de sacrificar sus vidas. Otras versiones finaliza con la lucha de los dos enamorados para derrotar a Von Rothbart, romper el encanto y vivir en vida su amor eterno.
          En cuanto a coreografía respecta, Julius Reisinger fue el encargado de la primera puesta en escena (1877). Debido al éxito de una presentación de gala (1o. de marzo de 1894) que honraba la memoria del fallecido compositor ruso, se trabajó una segunda producción (1895) que contó con las coreografías del ruso Lev Ivanov y del francés Marius Petipa -ambos fueron elementos claves en el éxito de la presentación de los Opus 66 "La Bella Durmiente" (1889) y Opus 71 "El Cascanueces" (1892) de Tchaikovsky-. 
          El doble papel protagónico de Odette/Odile, estuvo a cargo de la italiana Pierina Legnani. Hoy en dia varias versiones de "El Lago de los Cisnes" se basan en las coreografías de la campaña de 1895 (Ivanov/Petipa); en dicha coreografía, la bailarina con el papel protagónico debe mostrar brillantez técnica, intenso dramatismo y emular la ejecución de 32 'fouettés' (giros de una pierna con el impulso de la otra) que se presenta durante el acto que corresponde al baile real. A continuación, correspondiente al breviario cultural de ésta entrada, te invito reproduzcas el siguiente video; corresponde a una presentación del Ballet Kirove en donde, a partir del minuto 10:00, podrás ver ejecutado los 32 fouettés.



Ya visto el vídeo, podemos comprender el gran esfuerzo técnico que las bailarinas de ballet clásico requieren dominar, como son: coordinación corporal, coordinación auditiva, demostrar elegancia, actuar e inspirar sentimiento, etc.; para todo ello se preparan las bailarinas desde muy temprana edad, que en promedio de edad es de 5 años. A partir de los 12 años ya pueden practicar el baile "de puntitas". La vida de la bailarina es muy corta, por lo que es esencial trascender en el transcurso de los 24 años de sacrificios, esfuerzos, dolores y lesiones; para poder vivir bien, deben luchar por obtener los papeles principales en compañías de prestigio cuyas obras serán apreciadas por un reducido mercado dado que el público prefiere ver fútbol ó los programas -de baja producción y de contenido basura- en canales de televisión abierta, tal como sucede con las cadenas mexicanas TV Azteca o Televisa, las cuales generan utilidades exorbitantes.

En "Black Swan" vemos a la protagonista en la forma de una bailarina de ballet, de nombre Nina (interpretado por Natalie Portman, a sus 29 años de edad). Nos la muestran como una bailarina poseedora de gran dominio técnico, y todo gracias a su disciplina y esfuerzo. Cuando Nina se entera que la 'prima ballerina' de la escuela de ballet, Beth (interpretación a cargo de Winona Rider), deja el papel estelar de Odette/Odile, verá por fin una gran oportunidad para trascender. Conocido el objetivo del personaje de Nina, habrá que identificar los obstáculos que se le presentan.

Uno de los obstáculos -la lujuria como tentación- se encuentra en la forma de el director artístico de la escuela de ballet neoyorkino, Thomas (Vicent Cassel); él propondrá en escena -como en la vida real lo hace el English National Ballet- una nueva interpretación del "Lago de los Cisnes"; una de sus exigencias es quien interprete a Odile deberá expresar pasión, seducción y sensualidad. Por otra parte, -la envidia- se encuentra a imagen de la competencia con las demás bailarinas, representado por el personaje de Lily (la hermosa Mila Kunis), la cual posee las características que Thomas exige, pero no la elegancia e inocencia para interpretar los actos blancos que Nina posee. Por último se encuentra la madre de la bailarina, Erica, quien de joven también fue bailarina de ballet, pero sin trascendencia; ella sobre-protege en exceso a su hija, como si se tratase de una niña indefensa ante la constante amenaza de una jauría de lobos hambrientos en el medio exterior.

El cuerpo de Nina quizá es capaz de soportar las constantes lesiones físicas a las que están propensas las bailarinas de ballet. Pero, ¿qué tal está preparado su mente para lidear con todas las tensiones?, tensiones debido a cumplir con: las metas personales, las exigencias para cumplir en su profesión, las condiciones que terceros le imponen realizar (tales como las reglas de mamá o las reglas del director artístico), el menospreciar sus capacidades técnicas, o el sentirse culpable por las desgracias que sufren terceros a consecuencias de sus actos.

El director de "Black Swan", el norteamericano Darren Aronofsky, logra conmover al público gracias al efecto "eye-candy"; el término se refiere a atraer y mantener la atención del espectador por medio de estimulaciones visuales de gran impacto pero que no aportan algún elemento valioso para contar el desarrollo de la historia. Escenas como el arrancarse el pellejo de un dedo, en el que arranca las plumas de su espalda, en la que se masturba o en la que ve a Thomas (adoptando la imágen de Von Rothbart) fornicando con Lily, son ejemplos del efecto "eye-candy".

La exageración de los sentimientos es una forma de conmover al público; cuando generalmente suceden en situaciones que exageran la tristeza o la violencia, la obra corresponderá a la división melodrama, que es un género dramático no realista. Entiendo que Aronofsky haga uso de éste efecto para que el espectador viva como la mente de Nina mezcla hechos reales con hechos imaginarios. Su mente no soporta las presiones, su mente es débil y esa debilidad la demuestra con su personalidad. Si bien Nina cumple estar en el peso de las bailarinas con 40 kg, su mente sufre con la esquizofrenia. El personaje oscuro que debe representar no es débil, al contrario, es fuerte, es violento... es como las notas musicales de Tchaikovsky, y para poderlo interpretar deberá recurrir al dicho: "si no puedes con el enemigo, únete a él". Debo reconocer que Aronofsky maneja muy bien la confusión que Nina tiene en su cabeza, tanto, que de verdad al espectador le será difícil predecir cómo concluirá la historia.

El guión, bajo la batuta de Andres Heinz, con Mark Heyman y John McLaughlin, le deberé de darle un tache, porque ¿cómo es posible que Nina, después del enfrentamiento con Lily, 'siga como si nada' durante la ejecución del último Acto?. Además, si bien quisieron que el espectador viviera en carne propia el conflicto de Nina confundiendo la realidad y la ficción, pareciera que se les olvidó resolver o aclararle la realidad de las cosas al espectador; aún me es confusa la situación presentada en el clímax de la historia (la cual es precisamente la puesta en escena de "El Lago de los Cisnes" en su función de estreno). Esas confusiones que aun no he digerido, ha provocado que -al menos yo- tenga que ver nuevamente "Black Swan" para entender muy bien 'los rollos existenciales'. No creo que obtenga el Oscar a mejor película por ésta razón.

Otra razón, es la forma en como el personaje principal alcanza su objetivo; ¿supera sus obstáculos?, ¿el personaje se convierte para su bienestar?... A final de cuentas, si fueras miembro del AMPAS ¿qué mensaje le darías al público espectador si otorgas el Oscar de mejor película a "El Cisne Negro?

Sí, sin duda alguna la película es entretenida e impacta; ha sido partícipe de diversos festivales de cine en el último cuatrimestre del año 2010, pero fue hasta el pasado 3 de diciembre que se estrenó comercialmente en pantallas norteamericanas; para el caso de México, su estreno comercial fue el 11 de febrero de 2011 (aunque dos semanas previas, se proyectó en limitadas salas cinematográficas bajo el concepto denominado pre-estreno). Cuenta con una estrategia mercadológica impresionante, a tal grado que mucha gente habla maravillas de ésta película, sin saber que es la catapulta de Aronofsky al cine comercial del Hollywood, a tal grado que ya se rumorea que será director de la próxima película del personaje emblema de los X-Men (que de 'casualidad' 20th Century Fox tiene los derechos y los desea conservar), el título provisional de la película es: "The Wolverine".

Si ya viste "Black Swan" espero que compartas tus comentarios en éste espacio, qué expreses cómo te quedó el ojo, pero sobre todo des a entender el mensaje que toda buena película debe difundir hacia el espectador.

Un dato curioso: de 1895 a 1901, el papel de Odette/Odil era exclusivo de la bailarina italiana Pierina Legnani. Matilda Kschessinska tomó su lugar gracias a que, según rumores, fue favorecida por su relación amorosa con el Zar Nicolás II.  Por lo tanto, ¿el personaje de Thomas obró en la película como lo hizo el zar ruso?

viernes, 18 de febrero de 2011

Moviecomentario - "The Social Network"

Primero, debo entender al Género Dramático como un género realista que centra su temática en los conflictos emocionales de la vida de los seres humanos dentro de un espacio y tiempo determinado; hay que considerar también que la acción, donde los actores interactúan entre sí a través del diálogo, es vista por el espectador. La forma como se traten los conflictos, y al personaje, determina a qué división del género corresponde: será Comedia (representada con la máscara alegre del teatro) cuando el conflicto se exagera y los personajes son ridiculizados en sus intentos fallidos por cumplir sus objetivos creando momentos de humor que causan la risa del espectador; será Drama (identificable con la máscara deprimida del teatro, ¿o será la Tragedia?) cuando se exaltan las emociones, los valores morales y los sentimientos de los personajes al grado que se sientan impotentes de superar los conflictos que se les presentan.

Esas dos divisiones dramáticas, descritas en el párrafo anterior, son las mismas que la 'Hollywood Foreign Press Association' (HFPA) emplea para asignar las categorías de su evento anual de premiación cinematográfica: 'The Golden Globes Award'. En su edición anual 68a., realizada el domingo 16 de enero de 2011, cinco películas compitieron por obtener el máximo galardón de la división 'Comedy or Musical' y otras cinco por el máximo galardón de la división 'Drama'. La Mejor Película (Drama) 2011 le fue asignada para la película "The Social Network".

Otra premiación de importancia -mediática- (debido a la influencia de la industria cinematográfica norteamericana en varios puntos del globo terráqueo) es The Academy Award -popularmente conocido como The Oscars- organizada anualmente por la Academy of Motion Picture Arts and Sciences (AMPAS); su edición 83a. se efectuará el próximo domingo 27 de febrero de 2011, de donde cabe resaltar que 6 películas nominadas en su máximo rubro -Mejor Película- también fueron consideradas para ganar el máximo galardón de los Golden Globes... dentro de ese caso, "The Social Network" es una de esas seis películas.

Sin duda alguna, "The Social Network" retrata el ambiente organizacional del sistema económico capitalista , así como muestra un esbozo de prácticas éticas que los hombres de negocios suelen emplear. A mi parecer, en ésta película no se presenta ni héroe, ni villano; todos los personajes son 'grises', tal como se le puede identificar  al personaje de Uxbal en la película "Biutiful" (2010). Y es que, por la manera en que optan actuar ciertos personajes de la película "Red Social" (titulo de la película asignado para México) me ha hecho recordar el contenido de un libro que leí para la asignatura de Temas Selectos de Etica Aplicada -en el año 2002, durante mis estudios en la Facultad de Ingeniería-: "El Hombre Light", del español Enrique Rojas.

Un 'hombre light' es aquel de gran vacío moral, que todo lo que le rodea 'le vale', que solo se enfoca en adquirir poder, fama y riqueza; no se compromete, no crea vínculos; él solo no corre riesgos -para nada-; no tiene creencias, no se apasiona. Dado que sus criterios no son sólidos y sus pensamientos son volátiles, el 'hombre light' es vulnerable, inclusive llega sentirse indefenso. Al 'hombre light' le es difícil hacer un balance personal, y si lo hace, le resultará doloroso convertirse en un ser humano consistente, comprometido y con buenos valores. El 'hombre light' vive por el placer, vive para 'estar a la moda', vive el momento; él aplica la hipótesis de "úsese y tírese" en otros seres humanos como si se tratase de bienes materiales no renovables o desechables. Mark Zuckerberg -versión película- (por cierto, bien interpretado por Jesse Eisenberg, pero me parece que le 'hace el mandado' a Sheldon Cooper del programa de TV "The Bing Bang Theory") pareciera que encaja en esa descripción del hombre light.

Durante el desarrollo de la película Mark defiende legalmente su obra intelectual (Facebook)... pero sin Eduardo Soverin: ¿hubiera existido algoritmo alguno que le permitiera desarrollar su primera 'aplicación social'?, sin su primer apoyo, tanto fraternal como económico, ¿hubiera creado la, hoy por hoy, famosa red social?.  Si en verdad Mark declaraba que Soverin era su amigo, la persona en que depositaba su mayor confianza, ¿qué lo movió entonces para darle la espalda?... porque Soverin, actuando como gerente, ¿no fue capaz de conseguir patrocinios para la 'famosa red social'?... porque Soverin ¿se ausentó durante el proceso de crecimiento de tan conocida aplicación?... celos porque Soverin ¿logró ser admitido a una fraternidad?. Mi percepción me lleva a la conclusión de que, una vez que Soverin cumplió con su papel de dar el empujoncito económico para desarrollar el producto, Mark 'tira a la basura' la supuesta amistad que tanto afirmaba tener. Conclusión 1: No existe amistad si no existe un interés común; una vez alcanzado el objetivo con la ayuda de esa amistad, ésta se disuelve.

Por otra parte, entiendo que en el campo de la administración afirma que las organizaciónes obtienen recursos del medio externo para desarrollar y comercializar productos o servicios, para ello necesita de mano de obra, materiales, equipo, fuentes de energía ó dinero, lo que significa que una organización no es por sí sola autosuficinte. Los hermanos Winklevoss fungen ser directores de proyecto, líderes de una organización; pero, líderes de organizaciones fracasadas debido a la fuga de su elemento clave en momentos determinantes para obtener el éxito. Las organizaciones necesitan del material humano que conciban y mantengan vigente un producto determinado, del cual solamente unos cuantos se ven beneficiados con las utilidades que de él se obtienen. En el caso de no haber tenido el encuentro con esos gemelos, a Mark ¿'se le hubiera prendido el foco' para trabajar en la concepción de tan exitoso producto electrónico? Conclusión 2: Uno nunca sabe para quien trabaja.

Otro ejemplo de la supuesta amistad es la que Sean Parker (sorpresivamente interpratado por Justin Timberlake) muestra solamente hacia Mark Zuckerberg, y obvio, pues es el material humano de mayor potencial para el desarrollo de la 'red social'. Solamente veamos nuestras vidas, ¿cuantas supuestas amistades se han colgado de los beneficios o éxitos alcanzados por otras personas?. Entonces, ¿Parker ha pezcado al gran pez?. En Parker se ve ilustrado el supuesto que todo líder de negocio exitoso ha tenido que hacer a un lado -o de plano, eliminar- a todo aquel, o aquello, que le sea un estorbo para alcanzar el éxito. ¿No te parece que la escena con el cheque de USD $19,000.00 representa ese supuesto?

Tal vez, Mark sea ejemplo del sueño americano materializado, pues consiguió éxito, riqueza (e incluso poder) en base a la libertad y a la igualdad de oportunidades. Pero es cuestionable la forma de obtenerlo... pues a pesar que existan leyes legales que controlen la forma de actuar de las organzaciones, existen normas morales que nos proporciona qué calidad de valores posee el ser humano con el que estemos tratando. 

Uno de los primeros diálogos: "It's not that you won't get girls because you're a nerd. You won't get girls because you are an asshole" obedece a la postura de una "amiga" de Mark: Erica, quien le confirma no querer ser su novia -y ni siquiera su amiga-. Eso fue el detonante para que el protagonista demuestre una reacción vulnerable que lo obliga a hacer uso de sus virtudes en la programación, no para un acto de bien, sino para destruir la reputación de quien le 'rompió su corazón'; la ira lo agobió sin que anticipara las consecuencias con las que tendría que lidiar en el futuro.  Mark demuestra soberbia cuando no presta atención a banalidades como estar en una audiencia con los hermanos Winklevoss donde dice: "... you have part of my attention, you have the minimum amount. The rest of my attention is back at the offices of Facebook where my colleagues and I are doing things that, no one in this room, including and specially your clients, are intellectually or creatively capable of doing".

Es un hecho que el tema abordado en "The Social Network", y la forma de tratarlo, causa interés y provoca controversia. Habrá espectadores que se identificarán con él, así como otros no lo harán. El Mark de ésta película no me parece ser un digno ejemplo para la audiencia, debido a la calidad de sus valores empleados para obtener el éxito, y quizá sea un elemento en contra para que no le sea otorgado el Oscar.

Por otra parte debo mencionar que la forma de manejar tres historias, narrativas en tres tiempos y momentos distintos, me pareció confusa; a primera instancia no se sabe que el protagonista está lideando con dos juicios legales. Aquí, el director David Fincher ("Seven", "Fight Club") junto con el escritor Aaron Sokin debieron haber aprendido de la forma de presentar la historia de la película que igualmente se basa de la historia de un libro y que maneja tres lineas de tiempo distintas, tal como lo hicieran Danny Boyle y Simon Beaufoy en la película "Slumdog Millionare" (2008). Otro aspecto negativo es el exceso de diálogo sin relevancia; el diálogo inicial de Mark con Erica, el del abogado de los Winklevoss con Mark, el de Mark con Sean, son ejemplos de diálogos extensos donde los personajes hablan tan rápido que, al menos a mí me, dificulta comprender; también me da la impresión que los diálogos cómicos se limitan solamente para el público norteamericano (uso del chiste local).

A pesar de hacer un balance de pros y contras -que le pueda encontrar- a "The Social Network", aún así me pregunto si será la  favorita para ganar la máxima categoría de los Oscars 2011. Si al principio hice mención de los Golden Globes y los Oscars es para comparar los resultados obtenidos en los 5 años anteriores -lo que la probablidad no es muy alta-.
Los ganadores de los anteriores GoldenGlobe(ComedyOrMusical/Drama) - Oscar, son los siguientes:
2006:  WalkTheLine / BrokebackMountain - Crash
2007:  Dreamgirls / Babel - TheDeparted
2008:  SweeneyTodd:TDBOFS / Atonement - NoCountryForOldMen
2009:  VickyCristina&Barcelona / SllumdogMillionare - SllumdogMillionare
2010:  TheHangover / Avatar - TheHurtLocker

Hasta el momento he visto la propuesta del estudio Columbia Pictures (Sony). Aún restan 5 películas, de las que fueron consideradas también en los Golden Globes Awards, para ver y/o cuestionar; éstas son: "Black Swan", "The Fighter", "The King's Speech", "The Kids Are All Right" e "Inception".

A ver si le acierto a las quinielas que diversas cadenas del entretenimiento cinematográfico están promoviendo hoy en día con motivo de la entrega anual de los Oscars.